Sortie 1969

C’est en furetant de plus en plus fréquemment sur l’excellent blog Electric Buffalo que m’est venue l’envie de dépoussiérer certains grands disques blues-rock des 70’s - dans la limite de mes modestes références dans ce domaine – injustement boudés par le succès, ou tristement sous estimés. C’est ainsi qu’au détour de la discographie de Hot Tuna, je me penchai sur le cas Steamhammer. En effet, à une époque où la vague du British Blues Boom a déjà largement déferlé et où l’on s’essaye à d’autres expérimentations (prog et hard rock), ce quintet briton accouche d’un premier album modèle, prouvant que le style n’est pas mort quand l’inspiration est au rendez-vous. Sorti sous le nom de Reflection un peu partout, mais sans titre et avec une pochette autrement plus tolérable en Allemagne, la galette se révèle en effet être d’une qualité rare. Ouvrant le disque sur un petit thème folkeux mélancolique ("Water"), Steamhammer essaye de tromper son monde avant de dévoiler le programme sur la deuxième piste ("Junior’s Wailing") : riff blues-rock tueur, basse monstrueuse et la voix pincée de Kieran White qui emballe le tout. Prenant à contrepied ceux qui pensent précisément que cette voix manque de profondeur bluesy, White enchaîne sur la fantastique ballade "Lost you Too". Et à ceux qui trouvent que ces blues manquent un peu d’originalité, Steamhammer envoie "She’s the Fire", prouvant que le groupe a digéré l’expérience hendrixienne, wah-wah à l’appui. Et la déferlant continue : excellentes reprises de BB King sur "You’ll never Know", et d’Eddy Boyd sur "Twenty Four Hours", mais surtout des titres originaux fantastiques, comme ce "Even the Clock" à l’accroche évidente, ou "Down the Highway", qui se permet d’inviter un flûtiste pour mettre, le temps d’une chanson, Jethro Tull au placard (si, si !). Bruitages de crash automobile et c’est le retour à un blues plus roots sur "On your Road", puis "When All your Friends are Gone", faisant toujours la part belle à la voix décidément extrêmement riche de White. L’album se referme sur Water (part 2), reprenant les arpèges tristes du début. Steamhammer, formation à géométrie variable trouve ici un équilibre unique pour créer un disque énorme, injustement effacé par les prolixes ténors de l’époque (Fleetwood Mac, Ten Years After…). Pourtant, la bande à White, Pugh et Quittenton (peut-on faire plus anglais comme patronymes ?) signe ici un album intemporel qui mérite largement que l’injustice soit réparée…

Sortie 1977

Il est 5h du matin et les basses font trembler les vitres du vieux manoir victorien. Au sous-sol de la bâtisse, Charles Manson exhibe son déhanché diabolique au milieu de la piste de danse, ses mouvements saccadés par les flashs du stroboscope. Au bar, Louis-Ferdinand Céline descend absinthe sur absinthe, en grande conversation avec David Lynch, élève la voix pour se faire entendre au beau milieu du vacarme ambiant ("Sister Midnight"). Une créature androgyne tout de cuir vêtue aligne les verres de liqueurs sur le comptoir maculé de sang coagulé, qu’une armée de danseurs blafards aux longs imperméables en plastique noir brillant viennent vider d’un trait. L’atmosphère de la salle est brûlante. Les danseurs retournent au charbon sur les imprécations hypnotiques de maître Iggy ("NightClubbing") et s’initient à la danse dite "de la bombe atomique". Des sortes de Village-People version zombie débarquent dans la salle, le maquillage leur coule sur les joues. Passablement avinés ils chantent en chœur, d’une voix rauque et monocorde, « All aboard for Funtime !» ("Funtime"). La fête tourne à l’aigre, Louis-Ferdinand Céline a saisi un des Village-People par le col, prêt à en découdre. Iggy vient remettre tout le monde en place et paralyse l’audience avec une chanson glaçante sur laquelle il se lance dans un tango effréné avec une jeune beauté vraisemblablement morte depuis plusieurs heures ("Baby"). Une bonne demi-douzaine de colosses en uniformes nazis, adossés au mur, applaudissent en cadence ("Dum Dum Boys"). Puis David Bowie débarque, en robe de soirée, paupières noircies de khôl et fume-cigarette aux lèvres, pour épauler son pote Iggy dans une ballade sautillante ("China Girl"). Les premiers rayons de l’aube pénètrent déjà dans la salle enfumée par les soupiraux, et les fêtards épuisés se lancent dans un dernier slow dégoulinant, assommés par le son d’un saxophone lui aussi fatigué ("Tiny Girls"). La nuit s’achève, glauque, poisseuse. Les invités sortent l’un après l’autre, vampires fuyant le jour, le cerveau en sommeil encore bercé par une méchante rengaine entêtante ("Mass Production"). C’est à peu près la façon dont se déroule l’album The Idiot, d’Iggy Pop, bande son idéale d’une fête nocturne décadente, et parfaite fusion entre la production arty de David Bowie et la voix menaçante de l’Iguane. Un gros morceau de Rock, parfois même un peu trop gros et un peu trop sombre pour être avalé d’un coup, mais assurément un album révolutionnaire.

Sortie 1983

Non, les années 80 n’ont pas engendré que la New Wave et le Disco, et l’on peut redécouvrir aujourd’hui avec plaisir quelques combos proposant un son différent, qui avaient réussi à se cacher derrière les nappes de synthés et les beats binaire. Les américains de Violent Femmes font partie de ces groupes quelque peu oubliés faute de s’être conformés au son et au style de leur époque – et pas seulement de celle-ci, d’ailleurs. Pourtant, ce premier album éponyme du groupe, daté de 1983, est tout ce qu’il y a de plus réussi, bien qu’il surprenne au premier abord par ses instrumentations : après les déferlantes électriques et synthétiques sur le rock, le groupe opte pour un son sec et tout acoustique : guitare et basse électro-acoustiques, set de batterie réduit. L’absence de basse électrique tissant une toile de fond fluide contribue en particulier à rendre l’ensemble très chaotique et nerveux, soutenant à merveille la voix possédée du chanteur Gordon Gano. Car l’absence de saturation, de basse subsonique et d’une batterie mularde n’empêche pas le groupe de verser rapidement dans ce que l’on pourrait qualifier de Folk-Punk énervé. Pourtant, Violent Femmes ne s’enferme jamais dans un carcan musical : l’album s’ouvre sur un très pop "Blister In The Sun", avant d’enchaîner sur "Kiss Off", nettement plus rageur puis sur un reggae pleurnichard et génial avec "Please Do not Go". Les choses se corsent ensuite avec "Add It Up", titre phare de l’album qui témoigne de l’héritage Punk du groupe, et l’érige en pendant Folk du Gun Club. Rythmique effrénée, lyrics vengeresses et chant psychotique contribuent à en faire un titre aussi violent qu’accrocheur. Imprévisibles, les trois larrons poursuivent avec le lent et inquiétant "Confessions" et sa berceuse insidieuse à la contrebasse. Mention spéciale, par ailleurs, au bassiste Brian Ritchie, qui soutient l’album de bout en bout avec son style aussi mélodique qu’élastique (particulièrement sensible sur "Add It Up"). La suite réserve également son lot de bonnes surprises avec l’urgent "Promise", et un retour aux inspirations pop sur "Gone Daddy Gone" et son refrain imparable. Ultime changement de registre pour la chanson qui conclue l’album, apaisée mais amère, et qu’on croirait tout droit sortie du deuxième album du Velvet Underground. Dans les bonus appréciables présent sur les rééditions CD, on trouvera notamment "Gimme The Car", dont les paroles décapantes ne dépareillent pas avec les autres titres névrosés de l’album. Pas de raison, donc, de se priver de ce petit bijou qui passera à merveille entre deux Gun Club.

Sortie 2005

Quel odieux complot a bien pu éloigner la musique de Dead Meadow si longtemps de mes oreilles ? J’avais découvert il y a quelques mois de ça leur album Howls From the Hills, et m’étais bêtement arrêté sur ce disque sympathique mais pas transcendant, avec cependant un acoustique planant qui m’avait scotché pendant quelques heures d’écoute en boucle, l’intrigant "The One I Don’t Know". Et puis voilà qu’un beau jour, je tombe sur la chronique de leur dernier opus Old Growth chez l’ami Klak qui avait par ailleurs eu la bonne idée de mettre un morceau en écoute. Grosse claque. En 2 minutes 30, Dead Meadow devient mon groupe préféré pour les dix années à venir. Une semaine après, j’avais réuni les cinq albums studio du gang. Deux semaines plus tard, je n’écoute encore que ça. Difficile de ne vous parler que d’un album en particulier après m’être pris en pleine gueule trois monuments (chronologiquement Dead Meadow, Shivering King and Others et Feathers). Toutefois, avec un minimum de recul, ce Feathers en date de 2005 l’emporte sur ses grands frères. Dead Meadow, c’est la synthèse. Evidemment, ces petits gars imprégnés de culture psyché 70’s ont des racines solides : Black Sabbath pour les riffs et les ambiances, Hendrix pour l’incessante pédale wah wah, Blue Cheer pour le son mastodonte. Mais aussi sans aucun doute les albums de Earth, pour les rythmiques ultra traînantes, les superpositions de guitares saturées, les thèmes oppressants. Avec cette formule magique, Dead Meadow a pondu quelques albums de Heavy Rock planant de premier ordre. Mais le petit plus de Feathers par rapport aux autres opus du groupe, c’est un son proprement hallucinant. Un son de cathédrale. En démultipliant les empilements d’instruments, en poussant encore davantage la basse et la batterie devant. Et surtout en calant des arrangements incroyables par-dessus. On peut écouter Feathers en se laissant simplement hypnotiser par la section rythmique, mais tout se passe en arrière plan, dans ces lignes de guitare tantôt cristallines, tantôt hurlantes, déchirées, qui rappellent plus d’une fois Radiohead période OK Computer. Ouais, du Radiohead heavy. Du génie, je vous dis ! De l’intro épique de "Get Up On Down" aux arpèges éthérés de "Heaven" en passant par la slide en stéréo qui s’invite sur la charge finale de "At Her Open Door". Si les titres s’essoufflent un peu vers la fin de l’album (Un "Stacy’s Song" comme un hommage à Anton Newcombe, un "Through the Gates..." bouche trou, et un "Untitled" plus dans la veine du premier album), on se prend quand même 57 minutes délectables de remplissage total de l’espace sonore. Qu’on se le dise : Dans vingt ans, ne pas connaître Dead Meadow ce sera comme ignorer l’existence de Led Zeppelin.

Sortie 2005

Aujourd’hui, apprenons à pourrir nos fêtes de fin d’années en compagnie de Earth… Eh oui, on sait ce que c’est, Noël approche, les rues se parent de guirlandes chatoyantes, les magasins ne désemplissent pas, partout des haut-parleurs diffusent des chansons de circonstance, pleines de grelots et de chœurs enfantins. Et vous, ça vous les brise violent tout ça. Alors, on ne saurait trop vous recommander en rentrant chez vous une petite dose de l’album Hex ; Or Printing in the Infernal Method, histoire de se relaxer dans ce rude contexte. Ce petit bijou paru en 2005 est en effet un concentré de noirceur anxiogène salvateur. Il faut dire qu’Earth a un sacré passif dans le domaine. Déjà OVNI au moment de sa formation en pleine explosion grunge, le groupe propulsait un espèce de Metal lourdissime, ralentissant les riffs jusqu’à ce qu’il n’en reste plus au final qu’un amas d’électricité compact et vrombissant – écouter leurs deux premiers opus jouissifs et déroutants parus chez Sub Pop. Au milieu de ces délires soniques, on trouvait quelques chansons assez fantastiques tant par leurs titres que musicalement ("Tibetan Quaaludes", "Teeth Of Lions Rule The Divine"…), avec une vilaine tendance et plonger l’auditeur dans un état de dépression profonde accompagnée de troubles paranoïaques. De la Downer Music, de la vraie. Rajoutez à ça que le cerveau du groupe, le riant Dylan Carlson est l’individu qui, selon la rumeur, a eu la bonne idée d’offrir un fusil à pompe à un Kurt Cobain qu’on imagine au sommet de sa forme morale début 1994, et vous pouvez vous imaginer à quoi peut ressembler la music de Earth. Bref, après quelques années d’errance, Carlson et ses sbires revinrent avec ce fantastique Hex (…), qui dégage toujours une ambiance aussi primesautière, et c’est peu de le dire. Comme à son habitude, Earth a opté pour le tout instrumental, mais a baissé la saturation et s’est emparé de quelques instruments traditionnels (banjo, trombone, percus…), plantant 45 minutes durant un décor de Western vaudou et complètement déglingué. Mais impossible de parler de ce disque sans mentionner aussi le livret qui l’accompagne et fait partie intégrante de l’œuvre : une dizaine de pages de photos sépia d’un autre siècle pour le moins angoissantes, portraits de personnages aux regards vides, paysages désolés, fosses communes… Plus qu’un disque, cet album est un objet maléfique, un de ces artefacts maudits et fascinants qu’il ne faut surtout pas posséder. C’est trois quart d’heure d’angoisse mal définie, de vague cauchemar, comme un vent glacial sur un sommet dégarni des Appalaches, et vous, vous êtes là, dans cette vieille baraque grinçante, mais si, vous savez, celle qui a été construite au dessus du vieux cimetière indien. Neuf titres trainants avec des moments de grâce absolue dans l’inquiétude ("The Felon Wind"). On ressort de cette expérience un peu sonné, on replace ce diamant noir dans son écrin que l’on cache dans un coin de sa discothèque, tremblant, sachant pertinemment qu’il reviendra nous hanter sous peu. Vous allez adorer les chants de Noël…