Sortie Juin 2007

D’abord rebuté par une première écoute peu concluante du disque sur une borne FNAC en MP3 compression maximale et avec le haut-parleur droit en panne, je ne m’étais pas décidé à l’achat de l’album Strange House des bien-nommés Horrors. Il faut dire que la hype qui avait propulsé la sortie de ce premier effort, NME et Rock n’ Folk à l’appui, n’avait pas de quoi inciter à la clémence. Il fallait que ce soit du lourd, sans quoi le couperet tomberait. Mais bon, les cinq dandys gothiques charbonnés comme des tapineuses moldaves et leur posture New-York-Dollsesque, ainsi que cette irrésistible hure de sanglier sur la pochette, ont finalement eu raison de mon intégrité et de mon bon goût. Boum, me voilà avec la galette entre les mains. On a beaucoup parlé de revival garage pour qualifier la musique des Horrors. Outre le fait que le terme de garage ne signifie finalement rien quant à un contenu musical, cela est en plus assez loin de ce qu’évoque Strange House. Oui, le son des Horrors est très sale. Evidemment ils évoquent les Sonics avec ce clavier 60’s qui vient se poser sur les guitares-tronçonneuses. Oui enfin, le disque est rempli de gimmicks et de références aux groupes garage. En revanche, la rythmique est incontestablement punk, et les ambiances l’empruntent davantage aux Cramps, mais exit le rockab’… Psychopunk serait donc plus adapté pour décrire ce qui percute mes tympans. Difficile d’apprécier le disque à la première écoute (sauf pour les plus énervés) : c’est bestial, à la fois lourd et strident, et très modérément mélodique… Pourtant, force est de reconnaître que l’ensemble est tellement extrême et atypique qu’on se laisse rapidement emporter, d’autant plus que l’univers des Horrors est très cohérent, la musique collant parfaitement au graphisme gothique arty de l’album. La force de ces titres réside d’ailleurs beaucoup dans les thèmes qui évitent la vulgarité goth pour raconter des histoires bien glauques mais classieuses (la collection morbide de gants sur "Gloves"…), souvent très référencées (le "Jack the Ripper" de Screaming Lord Sutch, "Sheena is a Parasite", "Count in Fives"… référence aux Count Five ?). Les Horrors maintiennent la pression jusqu’au bout avec des titres aussi violents que foutraques (j’ai déjà cité les meilleurs, rajoutons "She’s the new Thing", "Thunderclaps" et le cauchemardesque "Gil Sleeping"). Et me voilà pris au piège : cet album est foutrement bon et nouveau, violent, excessif, et d'un bon mauvais goût assumé… Un peu les petits frères goths des excellents Hives. « Psychotic Sounds for Freaks and Weirdos », sous-titrent les Horrors, et c’est une assez bonne définition. 

Sortie 1970

1970… Soudain, le fracas et la sueur. Dans la lignée du MC5, quatre sales gosses d’une banlieue triste de Detroit précipitent ce que Hunter S. Thompson décrira quelque deux ans plus tard dans son Fear and Loathing in Las Vegas comme l’effondrement du rêve hippie (américain ?). Un an seulement après LE Woodstock, la révolution baba-cool est réduite en pièces par les Stooges, adeptes d’un nihilisme aussi crétin que militant, né dans la grisaille de la Motor City, à des années lumières des côtes californiennes. De leurs aînés, ils ne reconnaissent que les Doors, dont Iggy est fan, et le Velvet Underground auquel ils empruntent la noirceur de leurs sales petites histoires urbaines marquées par la came, le sexe et la violence. En pochette intérieur de Fun House, les quatre affreux trônent sur un tapis persan, Iggy lascif et Ron arrogant, exhibant ses colifichets nazis, le tout évoquant bizarrement Alex DeLarge et ses Droogies ultraviolents dans Orange Mécanique (1971), tout un programme! Produit par Don Galucci, ce second effort des Stooges est sans doute l’aboutissement ultime de leur style (Raw Power étant un album de rock somme toute plus classique, plus produit et sans ce magma sonore caractéristique). La violence est ici hypnotique, chaque instrument participant à un Maelström sonique au dessus duquel n’émerge que la basse impeccable de Dave Alexander, qui mérite un hommage tout particulier tant il assure avec fluidité la cohésion de l’ensemble de l’album en compagnie des fûts de Scott Asheton. Derrière cette section rythmique imperturbable, Ron Asheton envoie des soli incandescents de pentatonique sans queue ni tête, qui se noient en saturation, s'entrecroisant avec les aboiements furieux d’Iggy, manifestement possédé. L’ensemble est résolument révolutionnaire : jamais des titres aussi brutaux et vicelards n’avaient été aussi entêtants, et ce grâce notamment à la répétition hypnotique des riffs de basse. Impossible de ne pas rester scotché à "Down On the Street" (qui pourrait presque être un hommage au "My Eyes have seen You" Morrissonien), ou au brutal "Loose" (premier titre punk ?). Sur "TV Eye", c’est Ron Asheton qui s’y colle pour répéter inlassablement son riff de guitare, dans une ambiance d’urgence paranoïaque, sur fond de basse comme slappée. Léger ralentissement sur "Dirt", la basse se fait grasse et tisse la toile de fond sur laquelle Iggy devient un crooner psychotique. Urgence à nouveau sur "1970", réponse, bien sûr, au "1969" de leur précédent opus, un an de plus, et la machine s’emballe. Vient enfin la pièce maîtresse de cet album, avec "Fun House", proche de l’impro totale, où le saxophone de Steve McKay sort de l’ombre : Free Rock ou Jazz-Punk ? Monument, en tous les cas. "L.A. Blues", qui s’apparente plus à une destruction d’instruments de fin de concert qu’à une véritable chanson n’est pas de trop pour se sortir les oreilles de ce magma brûlant d’un rock poussé à l’extrême.

Sortie Juillet 2007

Sept ans d’absence pour le chauve le plus rock n’ roll de la planète (si, parfaitement ! devant Phil Collins). Et nous voici enfin au cœur de l’évènement : Billy Corgan reforme ses Smashing Pumpkins, enfin presque car il ne reste de la formation originale que lui et son fidèle batteur Jimmy Chamberlain. Qu’importe, me direz vous, pour cet album qui a été concocté presque intégralement par Corgan, comme le furent d’ailleurs la plupart des précédents opus des Chicagoans. Après les multiples explorations des Pumpkins, le moins qu’on puisse dire est qu’on ne savait pas trop à quoi s’attendre pour cette nouvelle galette. Pourtant, pas de surprise à l’écoute de l’album. Ce qui marque d’emblée, c’est la puissance du son, lourd et rugueux comme à l’habituée, mais dont les guitares sursaturées et les fonds des synthés évoquent, de même que les compositions à la limite du heavy metal, la fière époque du Machina – choix courageux par les temps qui courent. Bref, ça défouraille sévère presque du début à la fin. Le riff se fait volontiers bestial ("Doomsday Clock", "Tarantula" et "7 Shades of Black", décidément très proche du son de Machina), et pourtant, la voix de tôles froissées de Corgan assure toujours un refrain accrocheur. Certains autres titres attirent davantage l’oreille d’un point de vue mélodique ("Bleeding the Orchid", "We are Starz", "(Come on) Let’s Go! " aux riffs un peu plus fouillés), avec au milieu "United States", pamphlet heavy hypnotique. Bizarrement, même si c’est du gros rock qui tache, il s’insinue au fil de l’écoute un sentiment de malaise. Enfin moi en tous cas, ça m’a foutu un cafard qui m’a rappelé mon état après la découverte de Machina (décidément), le genre de sentiment finalement pas déplaisant car il prouve que le disque a du caractère. Le titre "Neverlost", gentiment mélancolique, et son lancinant "Let’s fill these hours and kill desire", y est pour pas mal à vrai dire, malgré son arpège pompier. Bref, on ne sait pas vraiment pourquoi mais la Mayonnaise (hehe…) finit par prendre, et Zeitgeist est au final plutôt réussi (si l’on excepte l’odieux délire valsoïde qui remplit la dernière piste). On est loin du raffinement de Mellon Collie… ou Adore, mais Corgan signe ici un très bon album de rock qui envoie, même si on ne le réécoutera sans doute pas aussi souvent que Siamese Dream. L’honneur est sauf et ca promet pour les concerts.

Sortie Juin 2007

Editors c’est le groupe dont le son fait d’abord faussement penser à Coldplay. Merde, me diront certains – j’espère les plus nombreux - d’entre vous… Seulement une rapide écoute de leur néo–coldwave permet ensuite de dissiper tout nuage de confusion. Chez Editors, rien de mielleux, ou alors le miel est doux–amer, ou alors il contient de l’arsenic et du Prozac. Apres avoir signé un magnifique premier album avec The Back Room, dont seul le nom évoque les tréfonds d’un lupanar, voici donc revenus les distingués britanniques, avec un album des plus classes. Pourtant, c’est un fait, les petits malins n’ont pas changé la formule d’un iota : les mêmes guitares stridentes mais étrangement éthérées, la batterie pousse–au–cul et une voix flegmato–aristocratique, entre Ian Curtis et Morrissey. Et c’est sûrement à cela que l’on reconnaît les grands, le fait de pouvoir poursuivre dans une même veine, directement identifiable, tout en parvenant à renouveler avec brio ses titres. Le contrat est ici largement rempli, et même si l’on est pas dépaysé une seconde, l’album est totalement exempt de temps mort ou de remplissage, et dévoile même des compositions fort jouissives. Le disque s’ouvre tout en élégance sur Smokers Outside the Hospital Doors (militantisme anti–tabacophobie ?), et ses accords de piano jamais incongrus. Suit An End Has a Start, sans doute la plus proche de leur précédent effort, rythmique binaire et mélodie fluide, avant d’embrayer sur quelques titres plus proches de la ballade mais toujours appréciables – The Weight of the World et When Anger Shows – entrecoupés d’un tonitruant Bones au riff implacable, un des grands titres de cet album. La merveilleuse et mélancolique Put your Head towards the Air permet littéralement de souffler un peu au milieu de l’urgence de ces murs soniques, avant de replonger dans ce qui est sans doutes la chanson phare, Escape the Nest, qui s’apparente vraiment à un saut dans le vide, bluffant. L’album se conclut sur le tout–en–piano Well Worn Hand, ultime complainte après une déferlante extraordinaire. Seul ombre au tableau, les compos d’Editors, trop compactes, tsunamis de son urgents, personne ne pourra les siffler sous la douche. Raison de plus, finalement, pour écouter l’album An End Has a Start.

Sortie 1993

 En 1993, le monde du rock semble, pour le plus grand bonheur de ses adeptes, revêtir les habits d'apparats qui furent les siens quelques 25 années plus tôt. Les descendants poilus des Sonics et des Troggs (notamment la scène de Seattle) mènent une lutte acharnée contre les petits-fils spirituels des Kinks et des Beach Boys (notamment les Blur et Suede naissants) pour le titre de celui qui fera sauter le plus haut le public. Au milieu, d’étranges personnages construisent des murs de son hypnotiques sur lesquels se posent des voix éthérées, dans une structure jamais entendue auparavant : le Shoegazing a pris son essor, propulsé par le colossal Loveless de My Bloody Valentine, deux années auparavant. Slowdive fait partie de cette grande famille des fixeurs de chaussures, avec leur premier opus sorti en 1991, et tout à fait dans l’orthodoxie du mouvement. Mais c’est avec leur deuxième effort que les britanniques, abandonnant en partie les dogmes Shoegazer, vont signer un disque pionnier, magistral. Si Souvlaki s’ouvre sur quelques titres pas si novateurs, la montée en puissance se fait insidieusement, les guitares se saturent au fil des chansons et envahissent l’espace, les voix se font plus lointaines et lancinantes. Si "Alison", ou "Machine Gun" peuvent évoquer la pop bruyante du premier opus naissant de Radiohead (à noter tout de même, l'excellent "Sing" ), le disque part bien vite sur des sentiers jamais encore défrichés et embraye sans avertissement sur "Souvlaki Space Station" entre rock  et dub, un monstre sonore au riff de basse évident qui s’empare littéralement de l’oreille au fur et à mesure de sa montée en puissance, introduisant avec brio des éléments d’électro en son sein. Enchaînement diabolique, Slowdive ne nous laisse pas redescendre avec les hypnotiques "When the Sun Hits" et "Altogether", dans la même veine, avant un atterrissage en tristesse avec "Dagger", qui reste une des plus grandes ballades des 90’s. Et pour l’auditeur qui ne serait pas encore scotché, engourdi par ce disque âpre et dépressif, Souvlaki déploie une dernière fois sa basse ronflante sur "Some Velvet Morning", magistral et entêtant. Il faudra attendre OK Computer, 4 ans plus tard, pour redécouvrir une fusion aussi heureuse du rock et de l’électro.